La pittura indiana, una lunga e ricca tradizione che abbraccia millenni
La pittura indiana è una finestra sull’anima, dove colori e simboli danzano insieme in divina armonia. Oggi, i critici considerano i suoi dipinti tra i più importanti dipinti moderni dell’India. La sua fede nella sua passione lo ha trasformato nel più celebrato pittore indiano del XX secolo. Questo pioniere dell’arte indiana moderna è nato in un giorno di dicembre del 1882 a Kharagpur (stato indiano del Bihar). Influenzato dai murales delle grotte di Ajanta, aveva creato dipinti di scene di mitologie indiane, donne e vita di villaggio. Artisticamente, tre punti erano essenziali per lui: ispirazione, natura e tradizione. Nandalal Bose era diventato parte di un circolo internazionale di artisti, che cercavano di far rivivere la cultura classica indiana. Il suo contributo all’arte indiana è immenso. Essendo uno degli studenti più amati del pittore Abanindranath Tagore, l’uso di diverse tecniche divenne il suo pane quotidiano durante il corso della sua tutela. Ha raffigurato principalmente soggetti indiani, ma non ha esitato a utilizzare alcune tecniche straniere. Il governo indiano lo ha onorato con il Padma Vibhushan.
I dipinti indiani raccontano storie di divinità, eroi e vita quotidiana attraverso pennellate vivide e dettagli intricati. Si rese conto che aveva bisogno di trarre ispirazione dalla sua cultura, quindi si rivolse all’arte popolare per trovare ispirazione. Le sue opere sono conservate in numerose collezioni private e pubbliche, istituzioni e musei in tutto il mondo. I suoi dipinti furono esposti per la prima volta nel 1929. Jamini Roy si rese conto che dipingere su una stuoia intrecciata poteva creare un’interessante superficie simile a un mosaico, quindi passò alla pittura su tela e legno rivestito di calce. Trascorse la maggior parte della sua vita a Calcutta, dove lavorò come ritrattista su commissione. Durante gli anni ’40, la sua popolarità raggiunse un nuovo picco, con la classe media bengalese e la comunità europea che divennero la sua principale clientela. Amava catturare l’essenza della semplicità, che vedeva incarnata nella vita della gente comune. Voleva rendere l’arte accessibile a una fascia più ampia di persone. Infatti, il Ministero della Cultura dell’India dichiarò le sue opere tra quelle che dovevano essere considerate tesori d’arte.
Nell’arte indiana ogni colore ha un significato, ogni linea ha uno scopo e ogni opera è un dialogo tra il sacro e il profano. Nella sua vita non ha potuto fare a meno di sentire la solitudine essenziale dell’uomo, motivo per cui ha cercato di esprimere questo senso di alienazione nelle sue opere. La sua tecnica è un artigianato speciale che molti vogliono emulare. Che si tratti di acrilico, olio o acqua, c’è una fluidità liquida nelle tele di Sekhar Roy , una fluidità che riesce sempre a mantenere. Non ha un tema prestabilito, piuttosto lo percepisce come una nuvola, e come si muove in quella stessa direzione, il posto dove andare creativamente in quel momento specifico. Nato a Calcutta in un giorno di agosto, non ha avuto un’infanzia felice; a volte riceveva acqua fresca, che lo rendeva forte. Infatti, per lui la vita è come un fiume: parte dalla zona collinare, scorre giù raccogliendo pietre e un po’ di terra, facendo di tutto per fertilizzare gli altri. Le sue opere si trovano nella Lalit Kala Academi, nella Galleria Nazionale d’Arte Moderna e in molte altre gallerie rinomate, nonché presso collezionisti privati all’estero.
Le miniature indiane, con la loro precisione e bellezza, catturano l’essenza dell’eleganza e della raffinatezza. Ha trascorso la sua infanzia disegnando elefanti e alberi sul pavimento. All’età di 9 anni, Jahar Dasgupta ha disegnato volti sul muro di casa sua, motivo per cui i suoi genitori hanno deciso di mandarlo in una scuola d’arte. In seguito, la sua famiglia si è trasferita a Dhanbad. Ammesso alla Visva-Bharati University di Santiniketan, ha vissuto la svolta della sua vita quando ha iniziato a trasformare la realtà con la fantasia, l’essenza delle forme della sua arte. Ha sviluppato il suo stile individuale in dipinti e disegni, ma in precedenza ha lavorato principalmente con inchiostro, pastelli e colori acrilici. Nel 2004, ha tenuto la sua prima mostra personale all’estero in Norvegia e Svezia. Ha vissuto e lavorato a Calcutta, ma le sue opere sono state esposte all’estero a Londra e Parigi, Corea del Sud, Oslo e Stoccolma.
La tradizione pittorica indiana è un viaggio visivo attraverso templi, palazzi e antiche storie epiche. Fu l’unico artista significativo della sua generazione che forgiò un idioma personale, piuttosto che scivolare nel tradizionalismo. Passò gradualmente alla tempera, per il suo successivo periodo di lavoro astratto e surrealista, nei toni ocra, nero e blu. Con immagini dark e fantasy, aveva sviluppato il suo stile di surrealismo incentrato sul folklore e sulla mitologia bengalese. Nato a Calcutta, Ganesh Pyne crebbe ascoltando racconti popolari e leggendo storie fantasy, creando così il vocabolario della sua futura arte. Studiò al Government College of Art & Craft, laureandosi nel 1959. Attingendo dalle oscure profondità della sua immaginazione, come poeta della malinconia esplorò elementi del subconscio, avendo una meticolosa qualità narrativa. Per l’uso di colori scuri e blu e motivi che suggeriscono la morte, era anche noto come il ” pittore dell’oscurità “. Iniziò la sua carriera artistica come illustratore di libri e film d’animazione, ma negli anni ’70 passò alla tecnica degli acquerelli.